この日は２時前に着いたのだが、タイミング良く、所蔵作品展のガイドツアーが始まったので参加させてもらった。テーマは「大画面作品の見方」。最初の作品は、川端龍子の『草炎』だった。
同じ金泥でも、銀を混ぜて白っぽい色合いを出したり、金の純度を下げて透明感を出したりと、微妙な変化を加えることで、装飾性と写実性の見事なバランスが生み出されている。
当初、洋画家だった川端龍子は渡米した際、ボストン美術館で目にした日本美術に感銘を受けて、日本画家に転向する。この精緻な写実性は、彼の洋画家時代の技術が生かされているのだろう。江戸琳派風のこの絵は、金を用いても決して華美にはならず、しっとりと落ち着いた風情を醸していた。
次にガイドさん（大内久美子さん）に案内されたのは、福沢一郎の『牛』だった。
どこか歪（いびつ）な印象の絵だ。牛は短足で不格好で、ところどころ穴があいているし、肉にしまりがなく、どこか不気味である。背後では、人が、意味もなく折り重なっているのだろうか。どんよりとした雲。荒涼とした大地に太陽が容赦なく照りつけている。
1930年代半ば、当時絵が売れなかった福沢（彼は最初、朝倉文夫に師事した彫刻家だったが、のちに洋画家に転向した）は、心機一転満州に渡る。日本とはあまりにも違う満州の風土、人々、町並み。そこからインスピレーションを得て描いたのが、この絵だという（牛は、古代ギリシャの壺絵のモチーフを参考にしたそうだ）。
三番目にガイドさんに案内されたのが、大岩オスカールの『ガーデニング（平和への道）』。
ここでも、先ほどと同じように、まずは離れて大画面の作品をみんなで眺めた。廃墟のような街並みが画面の左右に広がり、中央に河らしきものが描かれている。白く散らばっているのは、花だろうか。
「平和のための戦い」という、ジョージ・オーウェルの小説『1984年』に出てくるダブルスピーク（「戦争は平和である」という党のスローガン）という自家撞着を絵画化したような作品だ。だが、これは小説の中の出来事ではなく、現に今も起きていることであり、それを世界が許容し、日本が支援している。この絵を見ることで、そういう現実をあらためて考えさせられた。
最後に案内されたのが、野見山暁治の『ある証言』だった。
実はこれ、大きな壷を上から見た絵だとのこと。 嵐の日にベランダでぐらぐら揺れていた大壺が、ある瞬間にパンッと粉々に割れた、その衝撃を絵にしたそうだ。よく分らないけれど、嵐っぽい雰囲気は漂っていた。92歳の野見山画伯は、今もこうした迫力のある絵を描いていらっしゃるそうである。 その生命力、あやかりたいものだ。
こんな感じで、美術館のガイドツアーに参加したのは初めてだったが、見ず知らずの人たちと一緒に、ああだこうだと感想を述べながら、ひとつの作品をじっくりと鑑賞するのは、とても楽しい経験だった。
ほかにも所蔵展には見ごたえのある作品がたくさんあった（ここは「カメラシール」を衣服に貼れば撮影可能。この美術館の、こういう太っ腹なところが好き）。
……と、涼しげな夏らしい展示が続きます。
澁澤龍彦の「スキタイの羊」あるいは「マンドラゴラの根（人の形をいていて、引き抜くと悲鳴のような声をあげるという）」を思い出す。
澁澤いわく、「ワクワク島では、イチジクに似た植物の果実から、羊ではなくて、人間の若い娘が生じるのである。果実が熟すると、娘は完全な肉体を揃えて、髪の毛で枝からぶら下がり、やがて熟し切ると、『ワクワク』という悲しげな叫び声をあげながら、枝から落ちて死んでしまう。哀切な童話的な幻想にみちた伝説と言ってよいだろう」。
こういう得体のしれない植物は見ているだけでワクワクします。
収蔵展以外にも、「いみありげなしみ」というタイトルの「（意味のある？）しみ」をテーマにした作品展もあった（つまるところ絵画を構成するのも、色彩や形状をもつ画面上の「しみ」にほかならない）。
